15 Salones Regionales de Artistas 2015

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Caribe

Individual: José Antonio Covo

Exposición Individual Zona Caribe de los 15 Salones Regionales de Artistas
Museo de Arte Moderno de Cartagena, 18 de septiembre a 18 de octubre de 2015

Cabeza en horno

Tengo ganas de meter la cabeza en el horno. Fantaseo
acerca de cómo me llama, y me dice: “Ven y conóceme.
Conoce mis entrañas. Te extraño”. Ronronea como un estómago,
y me mira.
Yo me repito que el futuro se impondrá sobre mis aflicciones
y que las fuerzas divinas no me abandonaran. A veces,
cuando me vuelvo loco, me creo todo esto.
Pero el delirio se conoce a sí mismo y yo conozco a mi
delirio, el cual se conoce. Pero mi delirio me desconoce. Me
azota, me eleva y me asesina en público para que todos vean
la discrepancia ambulante que soy.
Cuando los episodios maniáticos normaron, quise redimirme
en la gracia del Señor, y elaboré un orgullo detrítico, aglomerado
de culpabilidad, desacumulándome a complacencia.
¿Qué soy para la sociedad sino un disidente demente? ¿Y no
es la percepción compartida la forma más alta de verdad?
¿Qué voy a hacer ahora, que no rezo ni como ostia, que no
beso a las chicas ni a los chicos? ¿Qué voy a hacer yo que en
el núcleo soy un desacuerdo ilegítimo?
Y, ¿qué dice el horno? No dice nada, por eso me atrae.
Quiero fundirme en el vacío que me ofrece con su tapa
blanca y sin dientes. La parrilla oxidada podría sonar como
un arpa, si lo intentase. Y si no se oxidase la cognición en
catálisis neurótica, convendría con la opinión pública en su
potencialidad inminente a mis ojos quebrantada por dos
décadas de furor.
Las noches arriban en procura de resolución con la impaciencia
del cáncer. “Mañana será un mejor día para el suicido”,
y me dispongo a dormir. En ese momento exacto de débil
pedantería, antes de deslizarme al sueño, deseo morir antes
de despertar.

José Antonio Covo Meisel
(Cartagena, 1987)
www.misterbader.blogspot.com
vkgaleria.com/es/artista/jose-covo
Maestro en Arte de la Universidad de los Andes. Entre sus exposiciones se cuentan “No tengo hambre”, curada por Andrés Matute, Galería Valenzuela Klenner (Bogotá, 2012), La Otra, Feria de Arte (Cartagena, 2013). La Otra, Feria de Arte (Bogotá, 2013); “Medidas cautelares”, Galería Valenzuela Klenner (Bogotá, 2014); “Mutiny on the Bounty”, pop-up Valenzuela Klenner Galería Coconut Grove (Miami, 2014), y “El niño peristalsis y la comitiva vomitiva”, Galería Valenzuela Klenner (Bogotá, 2015). Entre sus intereses se cuentan el psicoanálisis, la ciencia ficción, la ética, la estética (y cómo se disuelven la una en la otra), y la naturaleza de la realidad. Es autor de la novela Osamentas relampagueantes (Caín Press, 2015).

Pictografonía: Construcción de Territorio en Imágenes y Sonido

Equipo curatorial: Ernesto Recuero Jiménez; Pedro Villalba Granados y Arnaldo Gutiérrez Gordon. Es una propuesta curatorial que plantea la construcción del territorio a través de la imagen y el sonido. El territorio se concibe como un espacio dispuesto a una constante transformación desde las dinámicas culturales que se gestan a través de los diversos fenómenos sociales y políticos del país. Y el sonido, como signo que remite a una imagen que se forma y evidencia, en las manifestaciones propias del territorio en el que se desarrolla como: las tradiciones orales (dichos populares, cantos de laboreo y vaquería, poética de la cotidianidad) y los neologismos que surgen con la necesidad del discurso comunicativo.

[+] Más información: Pictografonía

Universidad del Atlántico, Barranquilla. Vista general. Fotografía del Banco de Imágenes Universidad de los Andes.

Arte Corrosivo

Equipo curatorial: Ricardo Moreno y Yulieth Amaris.

Consiste en atribuir al arte las propiedades del salitre, tanto en su significación física de destruir, en este caso de afectar o desestabilizar, las superficies con las que entra en contacto, como su significación simbólica de ser crítico con ironía mordaz, pero de forma creativa. Además, el salón busca obras y procesos que se apropien de nuevos lenguajes e interfaces; obras que no dependan de una exhibición en un espacio institucional o comercial para existir, es decir que sean obras que se toman los espacios re-significándolos y que puedan circular en distintos ámbitos.

[+] Más información: Arte Corrosivo

Museo Histórico, Cartagena de Indias. Obra de Eduardo Butron. Fotografía de Banco de imágenes Universidad de los Andes.

Pacífico

Individual: Juan David Medina

Exposición Individual Zona Pacífico de los 15 Salones Regionales de Artistas
Museo La Tertulia, Cali, 10 de octubre al 2 de noviembre, 2014.

Juan David Medina: Inversiones & valores

Las obras de Juan David Medina se ubican en el centro de la tensión entre el sistema de las artes y el sistema económico local y global. Aparentemente, el artista no toma posición ni en favor ni en contra y deja a los espectadores la posibilidad de reflexionar y recrear las múltiples relaciones y situaciones a las que se refieren sus obras. Sin embargo, hay un punto crítico, que son las obras en sí mismas y proponen un límite entre diferentes realidades y contextos. Ese límite es la superficie de la pintura, donde se plantea un antes y un después, un allá y acá, una realidad y una irrealidad, la ilusión y la desilusión.

La serie de los Descuentos está compuesta por ocho pinturas sobre vidrio, que van de 10 % a 80 %. Medina reproduce los anuncios de los porcentajes de descuento de los almacenes, cada vez más comunes y frecuentes. Los números que aparecen, en cada una de las obras, resultan del espacio vacío dejado por la pintura. Sobre estos números, el artista ha yuxtapuesto el símbolo de por ciento (%) repetido de manera sistemática y modular. La operación financiera, el descuento, se convierte en lo representado, en el producto en sí mismo y que al mismo tiempo es el vacío. El juego se cerrará al hacerse efectiva la operación financiera, ya que en el momento de la posible compra de las obras, el descuento anunciado se hace efectivo.
Tres pinturas figurativas siguen a Descuentos. Son represen¬taciones miméticas de objetos relacionados con el pasado y el presente de la economía local y global. Por un lado, el maniquí de un niño de la segunda mitad del siglo XX, pre¬sencia común en los almacenes de otras épocas, nos remite a los inicios de la sociedad de consumo tras la posguerra. Un festivo asno mecánico, que tuvo como hábitat natural las primeras grandes superficies, nos trae a la memoria los juegos de la infancia, que se activaban con monedas y que servían de momentánea distracción en medio de las compras. Finalmente, el conteiner plantea el cambio a la sociedad globalizada, marcada por el traslado indiscrimi¬nado de mercancías. Cada una de estas obras marca un momento histórico, económico, social y cultural. El primero hace referencia a lo particular y lo hecho a mano, el segundo habla de la estandarización y de lo general, y el tercero de lo hiperindustrial y global.

Completan esta exposición tres pinturas que representan las barricadas de las manifestaciones populares realizadas por todo el mundo en los últimos años. Son un revival de las manifestaciones revolucionarias de la Revolución francesa y símbolos del cambio planteado desde el Romanticismo de Goya o Delacroix. Pero, a diferencia de las anteriores, aquí se pone de manifiesto la ausencia de los combatientes y queda tan solo la barricada como símbolo de la lucha y, al mismo tiempo, parece ofrecerse como parapeto para que tomemos una posición.

El artista despoja a sus pinturas de la ilusión al utilizar el vidrio como soporte. Estas parecen ser el producto de actos marcados por un sentido elevado de la ética y la honestidad artística, además de por un pensamiento refinado y complejo que devela y pone al frente a la ilusión en sí misma. Al utilizar el vidrio, un soporte ya presente en la historia del arte desde los vitrales de la Edad Media, en la pintura europea de siglos anteriores y, sobre todo, al seguir un referente inmediato como La mariée mis à un par ces célibataires, même, popu¬larmente conocido como El gran vidrio, de Marcel Duchamp, Juan David Medina plantea una transparencia que devela el dispositivo ilusorio de la pintura para desnudarla. Dejar ver la parte de atrás, inhibiendo el efecto ilusorio de ventana y eliminando la ficticia espacialidad y profundidad, es un acto de verdad del artista para presentar de manera descarnada lo que es, sin la ilusión mimética o la representación directa del objeto, sino poniendo en evidencia lo que podemos considerar una presencia fantasmal: su huella mínima sobre la débil y quebradiza superficie. Esta toma de posición, tam¬bién se acerca a los Conceptos espaciales, de Lucio Fontana, quien rasgó y perforó sus lienzos para dejar en evidencia el verdadero espacio de la pintura, o el Distanciamiento, de Bertold Brecht, quien rompió la ilusión de la representación teatral al dejar en evidencia el montaje o los actores.

En las obras de Juan David Medina, la ilusión tiene una presen¬cia trágica. Si bien la representación se distancia de la míme¬sis naturalista, las obras se refieren a la ilusión del consumo, del mercado y de la economía. La lucha del individuo frente al sistema económico global parece perdida. Las barricadas se levantan para reclamar los derechos y oponerse a las fuerzas. ¿Ni siquiera hay lucha? ¿Solo un frenesí? ¿Un delirio? 105
Lo que sucede es que los valores se invierten. El objeto y el sujeto desaparecen de la escena y solo queda el dispositivo económico, es decir, el sistema. En síntesis, solo queda el vacío señalado, como producto y valor. Valores e inversión.
Carlos Fernando Quintero Valencia1
1 Artista e historiador del arte.

Juan David Medina Jaramillo
(Cali, 1975)
www.juandavidmedina.tumblr.com
www.piqueteadero.tumblr.com
www.helenaproducciones.org
Graduado en Artes Plásticas en el Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali (2003). Actualmente cursa la maestría en Lenguajes Artísticos Combinados en la Universidad Nacional de las Artes (Buenos Aires, Argentina). Ha hecho parte del colectivo Helena Producciones con el que ha organizado siete versiones del Festival de Performance de Cali. Entre sus exposiciones individuales están “Inversiones y valores”, Galería Arte Amerika (Cali, 2015); la revista El Hombre y la Máquina n.° 45, Universidad Autónoma de Occidente (Cali, 2015); “70%, 50%, 30% y 20% menos”, curada por Carlos Fernando Quintero, Centro Cultural Colombo Americano (Cali, 2013); “Un peu de Cali sur terre/Un poco de Cali en la tierra”, con textos curatoriales de Elías Sevilla, Mario Germán Caicedo y Carlos Fernando Quintero, Alianza Francesa de Cali (Cali, 2011), y “La camiseta de Humboldt no es la camiseta de Hegel”, Fundación Lugar a Dudas (Cali, 2009). Ha recibido los siguientes reconocimientos: Premio 15 Salón Regional de Artistas Zona Pacífico (2014); Premio Nacional de Artes Visuales a Nuevas Prácticas Artísticas con el Festival de Performance de Cali (Helena Producciones), Ministerio de Cultura (2007); mención en Best Art Practices, Premio Internacional para Jóvenes Curadores (Helena Producciones) (2007); Premio Curatorial al XI Salón Regional de Artistas Zona Pacífico-40 Salón Nacional de Artistas, Ministerio de Cultura (Helena Producciones) (2006), y mención en X Salón Regional de Artistas Zona Sur, Ministerio de Cultura (2003). Además de trabajar como artista, se ha desempeñado como curador y profesor universitario.
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Individual: Leonardo Herrera Madrid

Exposición Individual Zona Pacífico de los 15 Salones Regionales de Artistas
Museo La Tertulia, Cali, 5 al 28 de septiembre, 2015

El mejor equipo del mundo hijueputa
El fútbol como fenómeno social que es, se le debe tratar con seriedad, es decir, superando la trivialidad, los lugares comunes, lo obvio, lo que todo el mundo ve por la esencia de lo que está precisamente detrás de esa inmediatez.
Jaime Galarza S.

Esta exhibición es un tributo a la cultura popular, pues está compuesta por más que piezas artísticas hegemónicas son piezas culturales (posibles análisis antropológicos y socioló¬gicos) que parten de la Revista del América para describir las formas de vida, los procesos de identidad, fervor, pasión y sentimiento del Cali de la década de 1980, a través de cróni¬cas, fotografías y publicidad.
Desde hace años escribo listados, porque me facilitan ubicar con pocas palabras las experiencias, los sentimientos y los acontecimientos que he vivido. Por dicha razón, este escrito tendrá un sinnúmero de historias y anécdotas alrededor de la ciudad y el fútbol.

Yo nací en el oriente de Cali, en el barrio La Independencia.
Mi abuelo Carlos era liberal y por esa razón era hincha ame¬ricano, simplemente por ser rojo.
No soy hincha del América.
Mi padre, acérrimo hincha del Deportivo Cali, me impuso a la fuerza ser hincha de este.
En diciembre de 1981 nació el mas (Muerte a Secuestradores) mediante un comunicado que se arrojó
desde una avioneta sobre el Estadio Pascual Guerrero.
Mi abuela paterna decía que negro ni el teléfono de la casa.
En Cosmocentro, el centro comercial más famoso de Cali en la década de 1980, el viejo Willy tenía su
almacén depor¬tivo. Ahí compré mis primeros guantes.
El mejor cobrador de tiros libre se llama Battaglia.
Aravena le pegaba fuerte, y eso ocasionaba la guerra entre el Cali y el América.
El padre de Jimmy, después del quinto título de La Mechita, pintó toda su casa de rojo.
Con Andrés jugábamos en un mangón frente a su casa. Ahí me corté varias veces las rodillas con latas de Clausen y Van Camp’s.
En vacaciones, jugábamos fútbol hasta las 11 de la noche en la calle. El papá de Jorge siempre estaba ahí. Con los del barrio vecino, todos los viernes jugábamos a las 5:00 p. m. partidos a muerte a 10 goles. Siempre terminaba uno de nosotros peleando y reventado, pero al siguiente viernes repetíamos otra vez.
A doña Fanny, madre de Víctor, le quebramos los vidrios varias veces.
Carro Chocao hacía tiros al aire cada vez que La Mechita perdía.
La lora de Carro Chocao le decía a mi mamá: “¡Hurra, hurra, mona hijueputa!” Y mi mamá se ponía furiosa y entraba a la casa diciendo que iba a matar a ese pajarraco.
En 1985 el M-19 se tomó el Palacio de Justicia. No hubo fútbol ese domingo.
Ese año el Pitufo botó el penalti contra Argentinos Juniors. Lo debió haber cobrado Falcioni.
En 1986 explotó el transbordador Challenger.
En 1987 mi tío Llavero se emborrachó tres días por el gol de Peñarol.
Esa final de la Libertadores es la que más recuerdo. Estábamos en la casa de mi tío El Gitano, que, además, era un estanco. Mi abuela estaba sentada en su mecedora y Llavero parado gritando frente al televisor. Yo estaba en el piso al lado de Guillermina. En el último minuto se fue la señal y la radio cantó gol, Llavero se metió media de guaro tapa negra y después se tiró al piso desconsolado. Mi abuela le dijo: “Güevetas, levántese, no llore más, la vida no se acaba ahí”. “Pero, mamá, íbamos a ser campeones”, le respondió. Bebió tres días.
En el Berchmans fuimos campeones tres años los del curso C. Entre la promoción, jugaba Animal, el Pájaro, Gómez, Carro Loco, el Cabezón Navia, Paulo, Tafur, Posso Neurona y Media, Medio Pulmón y yo, pero siempre perdimos la final del campeonato de todo el colegio.
El Cabezón Navia llegaba siempre borracho los lunes por estar celebrando los triunfos de La Mechita, y Tato lo tenía amenazado con echarlo del colegio.
Para mí el mejor jugador de la promoción fue Édgar Enrique Hurtado, que hizo el mejor gol que he visto en años.
Neurona y Media se acicalaba tanto que votaba los goles.
En 1988 y 1989, mataron a varios amigos del barrio por estar mariqueando con traquetos.
En 1989 empezaron a estallar las bombas en Cali.
En la tienda de doña Aurora, ya no podíamos estar después de las 8:00 p. m.
Con el Chino Teshima y Santiago Rodríguez, íbamos a los clásicos.
Los mellizos Herrera se la montaban a mi padre cada vez que perdía el Cali.
Antes de cada partido, nos metíamos dos aspirinas y una Coca-Cola para rendir más. Este dizque dopaje era una estupidez.
Cuando Colombia le ganó a Argentina 5-0, metí cocaína por primera vez mientras celebraba en La Sexta.
En Yanguas, de La Sexta, nos sentábamos con la familia Roche a charlar toda la noche y a fumar yerba.
En los picados de la finca de Felipe, Édgar siempre termi¬naba peleando con todos.
Muchos años después fuimos a jugar en el oriente con un equipo que nos hizo trizas.
En 1990 mataron a Carlos Pizarro Leongómez.
En 1992 llegó el papá del Chino extraditado hacia Colombia después de estar varios años preso en Alemania. Lo primero que hizo fue comprar un bmw color rojo escarlata.
Con Víctor Hugo, escuchábamos heavy hasta la madrugada mientras fumábamos de todo.
A Jaime lo mataron cuando entraba en su casa.
En 1995 la ciudad se volvió una mierda, porque al alcalde lo suspendieron por tener nexos con los narcos.
Al Méndez, que era una promesa del fútbol juvenil, se lo lle¬varon a Brasil, pero en ese viaje se lesionó y no pudo seguir jugando. Anotación: en ese viaje se enamoró de una garota que era un travesti y sus compas se la montaron todo el viaje.
Juan Diego, alias “El Cojo”, que tenía un problema en la pierna, tapaba más que cualquiera.
Al arquero de nuestro curso le hice un gol de chilena y le quebré la pierna en el recreo. Nos teníamos amor mutuo.
En Bellas Artes, como no teníamos zonas para hacer deporte, el Flaco Vera hizo un torneo de futbolín, en el cual jugamos todos los de Artes y Diseño. No me acuerdo quién fue el campeón.
De ahí nació el Barón Rojo Sur con Carrillo y Ricardo García y otros que no me acuerdo.
En 1997 fui por última vez al estadio. Fue un partido tan malo que dije que jamás volvería… he cumplido mi promesa durante diecisiete años.
Con Schneider, prometimos volver este año al estadio si el América da muestras de ser capaz.
En 1999, le enseñé a Gilberto Rodríguez Orejuela historia de Colombia en la cárcel de Palmira.
El año pasado, el Flaco Correa, Felipe y yo les ganamos a unos jóvenes peruanos en la playa de Mancora. No se la creían.
Después de vivir cuatro años fuera de Cali, creo que esta ciudad es el mejor vividero del mundo.
Esta exposición está basada en mi infancia y en los recuer¬dos que tengo del fútbol, de mis amigos y de la ciudad donde crecí.

Esta exposición es un homenaje al América de Cali, princi¬palmente a sus jugadores, que tantas alegrías nos dieron, al médico Gabriel Ochoa Uribe, a Umberto Valverde, al señor Bejarano, a doña Beatriz Uribe de Borrero, a los hermanos Rodríguez Orejuela y a los que piensan que la doble moral es un mal endémico de la sociedad colombiana. Y lo es, sí, si seguimos ocultando de dónde son las cosas.
Por último, parafraseando el tono de agradecimiento que los jugadores muestran con su humildad siempre que termi¬nan un cotejo:

Doy gracias a Jorge por creer en mí; a Ernesto por confiar en mis actitudes; a mi aguatera preferida, la Negrita, por hidratarme en este proceso; al técnico Alberto de Michelle por darme esa confianza que tenía perdida, y a todas las personas que hicieron posible que esto saliera de la mejor manera. A nuestros patrocinadores, MinCultura, La Tertulia y La Sucursal. A mis compañeros de equipo y a ustedes que son la fanaticada que todavía cree que se puede.

Esta exposición es un sentido homenaje a mis tíos Guillermo Herrera, que en paz descanse, y Llaverito, que me enseñó a bailar aquel 19.

Leonardo Herrera Madrid
(Cali, 1977)
www.leonardoherreramadrid.com
Maestro en Artes del Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali y cofundador de Helena Producciones (Asociación de Artistas sin ánimo de lucro 1997-2009, realizadora del Festival de Performance de Cali). Entre sus exposiciones individuales están “El mejor equipo del mundo ¡Hijueputa!”, Museo La Tertulia (Cali, 2014) y miami (Bogotá, 2014); “[33 treinta y tres]”, Pontificia Universidad Javeriana, Salón Múltiple (Cali, 2013); “Encuentro para la memoria viva de Tomé”, Practica Artística Contemporánea (Concepción, Chile, 2011); “4 de agosto [jueves negro]”, Pinacoteca de la Universidad de Concepción (Concepción, Chile, 2011); “Terrorista colom¬biano, Felipe Herradura”, La Vitrina, Lugar a Dudas (Cali, 2008), y “Ojo del diablo”, Galería Valenzuela Klenner (Bogotá, 2008). Ha participado en muestras colectivas en Ecuador, México, Argentina, Brasil y Estados Unidos. Además de trabajar como artista es docente en la Universidad del Valle y en el Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali.

Reuniendo Luciérnagas

Equipo curatorial: Herlyng Ferla & Riccardo Giacconi.

De esta manera, no proponemos un concepto omnicomprensivo alrededor del cual utilizar las obras como ejemplos, sino que proponemos crear diálogos, confrontar posiciones, hacer encontrar prácticas culturales diferentes. La propuesta del Salón reivindica ser ideada y desarrollada por dos artistas, y defiende una lógica curatorial propia, más basada en una práctica artística que en un discurso crítico-teórico. Esta propuesta se construye alrededor de una serie de ideas (características) que fueron significativas en la experiencia de Ciudad Solar, y en su investigación se propone construir un Salón basado en esos conceptos:
Comunidad: Reuniendo Luciérnagas será un lugar, o una ocasión, para conectar diferentes prácticas culturales presentes en la región. Un espacio para el intercambio y para la colaboración, para el diálogo y el choque. A pesar que hoy en Cali hay una producción cultural muy viva en todos los ámbitos sociales y disciplinares, no hay suficientes lugares que puedan albergarlas ni generar el diálogo entre ellas.[+] Más información: Reuniendo Luciérnagas

Museo la Tertulia, Cali. Vista general. Fotografía de Carlos Julian Lerna

Centro Occidente

Individual: Francisco Alejandro Cifuentes (Xixko)

Exposición Individual Zona Centro Occidente de los 15 Salones Regionales de Artistas
Museo de Arte de Pereira, 17 de octubre a 10 de noviembre de 2015

#TantaGenteIntangible

Es un proyecto que busca materializar lo inmaterial del pensamiento que transita por el espacio virtual al imprimir una conversación en tiempo real sobre una temática local o nacional. Es decir, lo que se conoce en análisis de datos sns como “de lo que la gente está hablando” o trending topics.
El fenómeno de la presencia virtual incide directamente en las teorías socioculturales y estéticas de nuestra cotidianidad y evidencia el pensamiento de un prematuro Homo digitalis latinoamericano, un hombre ‘virtualizado’ y habitante de la cibercultura, un hombre multitarea de pensamiento fugaz, identificado con un avatar y conectado en línea en todo momento. Por el contrario, el hombre de Gutemberg era un ser análogo fiel al ideal cartesiano y al universo mecánico, un hombre táctil y tangible.
La instalación #TantaGenteIntangible está compuesta de once impresoras vinculadas entre sí mediante un tipo de software y una cinta de papel que imprime en tiempo real los mensajes que circulan por la red, usando un sistema de análisis de datos y de tendencias temáticas según la ubicación geográfica de Twitter. Se genera así una especie de palimpsesto en la cinta de papel, que da cuenta de la coti¬dianeidad contemporánea y hace tangible lo intangible de esa conversación interminable que se presenta a diario en la red. La cinta de papel se imprime y reimprime durante varias horas o días hasta que se rompe, la tinta se acaba o la gente en Twitter deja de teclear.

Francisco Alejandro Cifuentes
(Pereira, 1981)
www.xixkoo.co
Maestro en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia (2011). Como artista se encuentra interesado en el lenguaje y las formas de comunicación humanas en el espacio virtual e implementa, en sus proyectos artísticos, aquellas vicisi¬tudes y alteraciones que conllevan la emisión, transmisión, divulgación y masificación de datos. En su trabajo están pre¬sentes conceptos como el absurdo, el equívoco, el error, la inconsistencia comunicativa, la imposibilidad del mensaje y la perturbación técnica y sociocultural en el receptor o emisor, a partir de un precario uso tecnológico de las artes de los nuevos medios, artes mediales o artes con medios tecnoló¬gicos. Ha participado en múltiples exhibiciones a nivel nacio¬nal, incluidos la Feria Internacional de Arte de Bogotá, artbo, 2015; el 15 Salón Regional de Artistas [exposición individual] y diversos festivales de videoarte y muestras colectivas, y ha realizado residencias en flora ars+natura y Casa Tres Patios. Actualmente vive y trabaja en Medellín y Bogotá.

Resonancias: Derivas del Agua

Equipo curatorial: Luis Fernando Arango; Dagmara Wyskiel y Blanca Lucía Gonzáles .

Un proyecto de investigación curatorial que busca visibilizar el papel del agua y sus múltiples metáforas, simbologías y formas a partir de las cuales es posible construir un sin número de enlaces desde el arte sobre la vida misma y sus conexiones inextricables con el líquido vital. Esto se hace mediante conductos temáticos que abordan seis aspectos relacionados con el agua: el cuerpo, el paisaje, el espíritu, la política, la economía y la cultura. El concepto de resonancia del agua refiere a sus efectos de propagación o repercusión como metáfora de la memoria o el olvido y de las problemáticas actuales asociadas con el líquido vital; en consonancia con este, el concepto de deriva remite a la posibilidad de múltiples interpretaciones y aproximaciones desde el pensamiento, la imaginación o el lenguaje con sus estrategias lingüísticas o gramaticales como algunas de la innumerables opciones para la creación visual.

Museo de Antioquia. Vista general. Fotografía de David Escobar Parra.

http://www.resonanciasderivasdelagua.com/

Centro

Individual: David Guarnizo

Exposición Individual Zona Centro de los 15 Salones Regionales de Artistas
Museo de Arte Moderno de Bogotá, 13 de noviembre a 13 de diciembre de 2014

¿Cuál es la distancia del horizonte?

Al habitar el territorio desértico de La Guajira colombiana, surgen tres conceptos convergentes: ‘frontera’, ‘límite’ y ‘línea’.
La palabra frontera proviene del latín frons, frontis (frente, parte anterior, fachada) que se refiere a una barrera frontal encontrada al llegar a un territorio, como el faro de Punta Gallinas, ubicado en el punto más septentrional de Colombia y de Sudamérica. La frontera como concepto sugiere el acto de enfrentar un lugar limítrofe.
El término límite proviene del vocablo latín limes (borde, frontera) que señala una división geográfica o espacial y una restricción o limitación. La palabra límite nos lleva a pensar en un acto de persistencia en el tiempo con respecto a una línea concebida, en el territorio, como el horizonte.
La palabra línea, del griego linum/linon, significa ‘cosa hecha con lino’. Su relación con el lino nos recuerda un oficio que se desarrolla en el tiempo. La línea como frontera y límite implica la definición de un lugar y de una acción sobre él. El espacio es, entonces, lo que está comprendido entre fron¬teras desde una línea espacio-temporal donde el caminante inicia su trayecto por un territorio.
Una forma de habitar el territorio es viable a través del reco¬nocimiento de sus límites, como una labor realizada sobre sus bordes. La demarcación del espacio, dentro del cual queremos ser y estar o dentro del cual estamos obligados a permanecer, se origina al dibujar una línea sobre el territorio. Esta línea, además de física, puede ser social, étnica, cultural, política, psicológica o mental.
Las líneas que demarcan un territorio son muy parecidas a los menhires, que los primeros caminantes erigían para no sucumbir ante la inmensidad e incertidumbre de una tierra nueva. La delimitación de un territorio también se da cuando, mediante una mirada particular, convertimos la tierra en paisaje.

David Guarnizo
(Bogotá, 1985)
www.davidguarnizo.com
Maestro en Artes y especialista en fotografía de la Universidad Nacional de Colombia (2012). Ha participado en exposiciones colectivas como “Fotográfica Bogotá 2015” (Bogotá, 2015) y Artecámara, Feria Internacional de Arte de Bogotá, artbo (Bogotá, 2010 y 2012). En el año 2011 recibió la beca Semilleros de Creación e Investigación de la dib-Col¬ciencias. Ha sido ganador de las convocatorias Residencias Artísticas Nacionales (2012) y 15 Salones Regionales de Artistas-Becas para la Realización de Exposiciones Individuales (2014), del Programa Nacional de Estímulos del Ministerio de Cultura. Junto al colectivo Don’t Panic obtuvo la beca El Parqueadero-Laboratorios (2013), del Programa Distrital de Estímulos. En paralelo con su práctica artística indaga sobre la pedagogía y los procesos de creación colec¬tiva transdisciplinar.

Individual: Andrés Frix Bustamente

Exposición Individual Zona Centro de los 15 Salones Regionales de Artistas
Museo de Arte Moderno de Bogotá, 13 de noviembre a 18 de diciembre de 2014

Suicidio anunciado de una pintura caótica

Se define por una ambigüedad constante, un juego de opuestos —lo ingenuo y lo perverso, lo real y lo ficticio, los personajes figurativos y las composiciones abstractas— expresado en un estilo colorista, luminoso y naíf, que, formal¬mente cercano a ciertas tendencias del “hazlo tú mismo”, apuesta por una narrativa claustrofóbica y sórdida que refleja nociones del presente, como la saturación, la ironía y, sobre todo, el absurdo. De este modo, la instalación, las imágenes y las animaciones están repletas de seres extraños, mutantes, grotescos, que permiten acceder a nuevos relatos, alejados de cualquier normativa o significación establecida.
Las imágenes de la propuesta se alimentan de un uso preciso de sus influencias bajo un estilo frenéticamente apresurado y perceptible en los detalles que afloran en la superficie de color, recordando algunas meditaciones vagas. El uso del color está guiado no por un realismo representativo, sino por su poder expresivo, con lo cual se genera un espacio ficticio que se configura en los términos de la instalación como un mundo real de cartón, papel y tela, que otorga a su narrativa una veracidad artificial y asfixiante en contraposición a lo reconocido y cotidiano. Es un contraste que se logra con telas de colores y choca con las texturas capturadas de fanzi¬nes y cómics. No existe visión alguna que no sea de colores. La atención del espectador, además de dirigirse a las imáge¬nes, se centra en los espacios construidos, donde distingue manchas, luces y sombras que juegan con el instrumental de texturas como “artificio” en su sentido más puro.
El proyecto Suicidio anunciado de una pintura caótica apuesta por desdibujar la instrumentalización de la propuesta artística y comenta la llamada muerte de la pintura. No es el regreso del hijo pródigo, pues, para seguir los lineamientos ideológicos del establishment crítico-curatorial, la nueva pintura se ha refugiado en la autonegación y el autosabotaje con una gran dosis de ironía y cinismo. Por lo mismo, no debe sorprender que parte de la pintura ideológicamente aceptable termine siendo una especie de pintura/publicidad que posiblemente actúe como publicidad de movimientos a priori (ya sea en los términos definidos por las vanguardias.

Andrés ‘Frix’ Bustamante
(Bogotá, 1979)
andresfrix.wix.com/andresfrix
Maestro en Artes Plásticas de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas (2007). En sus instalaciones coinci¬den su interés por la pintura, el collage y los impresos para cuestionar las nociones de orden, racionalidad y unidad y para explorar las rarezas y excentricidades del absurdo en la vida contemporánea. Entre sus muestras individua¬les están “Teoría excepcional en el caso del Dr Xismo”, Residencias por intercambio [r.a.t.] Puerto Turín (México d. f., 2014); “Trampa conceptual para un zombi endemoniado”, La Ramona Proyectos-Espacio101 (Bogotá, 2012); “Proyecto para la inserción del mas injurioso y el más cruel de todos los consejeros”, Sala Alterna, Galería Santa Fe Planetario de Bogotá, (Bogotá, 2011), y “Soy la música del mundo, el cen¬tro de un roscón y el final de una empanada”, Sala Alterna, Galería Santa Fe Planetario de Bogotá (Bogotá, 2009). En los últimos años ha participado en exposiciones como “Els Vespres” de la ub, Universidad de Barcelona (Barcelona, España, 2015); “Tropicalismos y conspiraciones”, Fatbottom (Barcelona, España, 2015); “Das Kapital” (Berlín, Alemania, 2015); “Después de lo anterior”, Galería Santa Fe (Bogotá, 2014); “De clase”, Cámara de Comercio de Bogotá (Bogotá, 2014); “Graphics Interchange Format” (Foamcity [Lafayette], ee. uu., 2013); 6° Salón de Arte Bidimensional, Fundación Gilberto Álzate Avendaño (Bogotá, 2013); “Modelo para una narrativa no funcional”, Espacio Los Únicos (Lima, Perú, 2013), y Salón Fanzines y Graphzines, Médiathèque Marguerite Duras (París, Francia, 2012).

Individual: Lina Mazenett

Exposición Individual Zona Centro de los 15 Salones Regionales de Artistas
Museo de Arte Moderno de Bogotá, 13 de noviembre a 13 de diciembre de 2014

Imágenes sedimentarias

¿Cómo ver y experimentar el tiempo a través de la imagen?
Nos interesa el tiempo como dimensión esencial de la imagen. Partimos de la pintura y la comprendemos como un medio tradicional que ha modelado la percepción del mundo.
Nuestro procedimiento podría ser descrito como un intento de comprimir el tiempo en la imagen bidimensional; es decir, atrapar la percepción de la duración en una imagen. Luego de descubrir la forma donde el tiempo queda contenido en una imagen, es des-plegado nuevamente, ante los ojos del espectador, para mostrar ya no el instante sino la duración.
El proceso, sugerido a través del título del proyecto, funciona de manera análoga a la sedimentación geológica, rocas que, al igual que las imágenes propuestas, presentan capas o estratos que hacen visible el accionar del tiempo.
En esta obra, partimos de artistas, como Francis Bacon, Gerhard Richter, Balthus, Fernand Léger y Edgar Degas, entre otros, que han abordado en su obra el problema del tiempo y el movimiento en la pintura.
El escáner interviene en el proceso a través de su explora¬ción o barrido óptico, que vendría a ser el tiempo de percep¬ción de la máquina. En ese sentido, las imágenes resultantes son imágenes mediatizadas, en las que una transcodificación ha tenido lugar. El escáner traduce el tiempo del video en una imagen fija y convierte este dispositivo electrónico, para retomar la correspondencia geológica, en agente de conso¬lidación y compactación de las imágenes.

Lina Mazenett y David Quiroga
(Ibagué, 1989 y Bogotá, 1985)
www.quiroga-mazenett.wix.com/artworks
Maestros en Artes Plásticas egresados de la Universidad Nacional de Colombia (2012). Como colectivo, ambos artistas indagan las posibilidades de visibilizar el tiempo a través de diversos medios y se apoyan en disciplinas como la geología, la astronomía y la historia. Les interesa poner en relación tiempos heterogéneos y explorar las distintas formas en las cuales perciben el tiempo, ya sea desde la experiencia, la mitología o la materia misma. Sus obras buscan sugerir ese hilo, casi siempre imperceptible, que los une como seres humanos con el pasado remoto y por eso recurren a las imágenes primordiales. Sus obras han sido presentadas en distintos escenarios locales como el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, mac; la Galería Santa Fe; El Parqueadero del Banco de la República; la Fundación Gilberto Alzate Avendaño; el Museo de Arte Moderno de Bogotá, mambo; el Planetario de Bogotá, y la Fundación flora ars+natura, entre otros. A nivel internacional han mos¬trado su trabajo en plataformas como el Espacio de Arte Contemporáneo, eac (Montevideo, Uruguay) y Greatmore Studios (Woodstock, Sudáfrica). Fueron seleccionados para la sección Artecámara-artbo 2015. Actualmente desarrollan el proyecto arbor vitae auspiciado por la beca Red Galería Santa Fe.

Escuela de Garaje

Equipo curatorial: Mariana Murcia, Santiago Pinyol Arévalo y Mónica Zamudio .

Propone una nueva dinámica en lo referente al formato curatorial de Salón sobre el que se considera que no representa la complejidad del campo cultural actual. Esto desde la creación de un espacio-escuela en el que se trabaja, se discute y se plantean preguntas que permitan redefinir el potencial y la jerarquía entre teoría y práctica. Los ejes fundamentales de esta propuesta curatorial son: El enriquecimiento de los esfuerzos de la crítica que revisa el rol de las instituciones del arte como participantes en la creación de políticas culturales; el cuestionamiento del rol de los artistas que finalmente es definido por el clima institucional en el que ejerzan su práctica; la revelación de los poderes que legitiman la homogenización que prevalece y analiza las implicaciones de la educación con las demandas de la globalización corporativa, entre otras, son los ejes fundamentales de esta propuesta curatorial. Adicionalmente, ésta busca ser una oportunidad para cuestionar y posiblemente retar los métodos de las instituciones del arte, al juntar en un mismo proyecto a pensadores y productores culturales aunque no necesariamente estén de acuerdo.[+] Más información: Escuela de Garaje

15 Salones Regionales de Artistas. Zona Centro. Escuela de Garaje

Museo Efímero del Olvido

Equipo curatorial: María Soledad García; Cristina Lleras; Juan Darío Restrepo y María Villa.

Los 51 proyectos seleccionados optan por medios innovadores y van más allá de las reflexiones nostálgicas que permiten activar dinámicas, acciones y reflexiones sobre el olvido. Además generan líneas de diálogo en un territorio de gran diversidad como es la zona centro y muchos desbordan las fronteras departamentales, al dar cuenta del territorio más que imponer una idea de lugar. Los grupos temáticos y curatoriales que se identificaron fueron: La ficción y las narrativas del pasado; lo efímero y la temporalidad; ciudad, cartografías y memorias; archivos, olvidos y recuerdos; y exploraciones sobre olvido y recuerdo en el territorio. Todo desde un examen crítico de la memoria, desapegado de la necesidad de recordar, para así generar formas distintas de recuperar el pasado y por tanto avisorar el futuro. El olvido es considerado como un mecanismo que permite tomar conciencia del tiempo, lo que significa poder singularizar el pasado, el presente y el futuro, sin desconocer que los tres se solapan.[+] Más información: Museo Efímero del Olvido

Universidad Nacional. Obra de Mónica Páez. Fotografía de Banco de imágenes Universidad de los Andes

Oriente

Individual: Fredy Saul Serrano

Exposición Individual Zona Oriente de los 15 Salones Regionales de Artistas
Sala Macaregua de la sede UIS Bucarica, Bucaramanga, 4 al 27 de septiembre de 2014

Expedición laguna: indicaciones generales

A pesar de que he buscado, una y otra vez, los referentes inmediatos para establecer las coordenadas de interpreta¬ción de la obra de Fredy Saúl Serrano en las Artes Plásticas y Visuales colombianas, tengo que confesar que ninguno de los lugares encontrados me ha convencido lo suficiente como para establecer una ruta definitiva de navegación semiótica. Ni Álvaro Barrios con todas sus maricaditas, ni José Antonio Suárez Londoño con su obsesión por llenar cientos de libreticas con mamarrachitos, han sido de mayor utilidad para entender la aparición de extraños conejos negros, mamás zombis, casas embrujadas y otras tantas emanaciones del subconsciente del artista en forma de protuberancias, quistes, pólipos, vísceras y tumores letales. Aun cuando el mismo artista haya mencionado constantemente estos dos nombres como influencias ineludibles para entender su trabajo, no logro encontrar en ellos el horizonte narrativo de segundo nivel que siempre ha estado presente en la obra de Serrano. Sí, ya sé que, aunque Suárez Londoño hizo una serie de 365 dibujos, uno por día, inspirado en los diarios del escritor Franz Kafka, y Barrios ha utilizado intermitentemente referencias literarias en sus collages, ninguno ha logrado crear un mundo paralelo para ubicar estas imágenes, tal como ocurre con las mejores piezas de literatura fantástica, en las que la función narrativa trasciende el simple ‘pre-texto’ para producir representaciones de algo aún no dado.
Por estos motivos, y con el perdón del artista, quisiera arriesgarme a lanzar una tesis fuera de lugar, una deriva inter¬pretativa si se prefiere, sobre la singularidad del trabajo de Serrano en el contexto colombiano. Y hablo de singularidad, referida a aquello que por su aquí y ahora no puede identifi¬carse con nada conocido, porque con su proyecto Laguna ha logrado que sus piezas individuales floten en medio de un vacío semiótico, sin mayor conciencia histórica de las formas utilizadas y sin preocuparse por los afanes de situarlas con respecto a algún código necesario para hacerlas legibles.
Martín Alonso Camargo Flores1

1 Filósofo y magíster en Semiótica.

Fredy Saúl Buitrago
(Lebrija, 1977)
www.flic.kr/s/aHskozv44y
Artista visual egresado del programa de Bellas Artes de la Universidad Industrial de Santander, uis. En su obra trabaja la representación de su mundo imaginario, como una narración textual y visual, a partir de sus recuerdos y del empleo de diversos medios (dibujo, collage, pintura, escultura, video) y herramientas de otras disciplinas (diseño, moda, naturaleza, arquitectura). Ha participado en más de una treintena de exposiciones a nivel local y nacional desde el año 2001. Entre sus exposiciones individuales están “Relatos ilustrados por la imaginación”, Programa Nuevos Talentos, Cámara de Comercio de Bucaramanga (Bucaramanga, 2006); “Temporada de Casa”, Museo de Arte Moderno de Bucaramanga (Bucaramanga, 2008); “Expedición a los recuer¬dos de la infancia”, Casa del Primer Congreso (Villa de Leyva, 2010); “La casa Va-cía”, Biblioteca Pública Julio Pérez Ferrero (Cúcuta, 2012), y “Laguna. En otro lugar pero en el mismo tiempo”, uis Bucarica (Bucaramanga, 2014). Fue seleccionado para Artecámara-artbo 2015. Se ha desempeñado como productor del Proyecto Este: coordenadas itinerantes, 2015, y Zapping, 2014, para los 15 y 14 Salones Regionales de Artistas Zona Oriente, respectivamente. Además fue el coor-dinador regional de A la par 15/Entre las Artes, y ha realizado diversos proyectos expositivos, como montajista, ilustrador y tallerista de arte.

Este: Coordenadas Itinerantes

ESTE COORDENADAS ITINERANTES
15 Salones regionales de artistas – oriente

Curaduría de Catalina Acosta Carrizosa y Jerónimo Duarte Riascos, de cabeza curaduría www.estesaloneste.com

Este: coordenadas itinerantes es un proyecto curatorial que tuvo como propósito acercarse a las prácticas contemporáneas de la Región Oriente en busca de propuestas que cuestionaran certezas, que nos invitaran a re-conceptualizar las nociones tradicionales del campo (obra, artista, curador, espectador, salón) y que continuamente propusieran borrar, alterar y reconfigurar las divisiones y relaciones entre lo filosófico, lo social, lo artístico y lo político.

Nuestro equipo investigó, analizó y criticó la producción regional; mostró sus resultados, los debatió; organizó laboratorios, encuentros, archivos y exposiciones. Hicimos visible la contingencia; mostramos las formas en que las artes de la región abordan lo posible y cuestionan lo factual. Y rescatamos (o al menos intentamos hacerlo) la importancia del humor y el valor del proceso. Este: coordenadas itinerantes fue pensado como un proyecto para encontrar, divulgar y posibilitar la creación de obras que fueran experiencia, relaciones, que dialogaran con la situación regional, que es también, cada vez más inevitablemente, nacional y global.

Durante el segundo semestre del 2014, el equipo de esta curaduría convocó públicamente a los artistas y gestores regionales que vivieran y trabajaran en la región; que fueran de la región pero vivieran por fuera de ella, y que no fueran de la región pero cuyos intereses y proyectos estuvieran enfocados directamente en la región oriente. Adicionalmente, esta curaduría invitó a dos artistas internacionales, Samuel Adam Swope (EE.UU) y Hyounsang Yoo (Corea) para que con una visión desprevenida, realizaran una residencia en la región alrededor de una metodología basada en la interacción, el diálogo, la colaboración y la co-creación.

Este proyecto culminó con cuatro exposiciones modulares y distintos eventos públicos y gratuitos, distribuidos en varios espacios de Santander y Norte de Santander durante julio, agosto y septiembre de 2015. Allí se presentaron las obras de 15 artistas seleccionados por categoría de Obra y cinco gestores/artistas seleccionados por categoría de Evento. La cuarta muestra presentó los resultados de las residencias de los artistas internacionales y algunos resultados del proceso de investigación curatorial itinerante con el Laboratorio Artístico Móvil.

Artistas y gestores seleccionados: Jheny Ariza, Juan Diego Aguirre, Camila Bretón, Nicolás Cadavid, John Freddy Calderón, Martín Camargo, Nelly Amparo Cárdenas, Colectivo 4-18, Colectivo Develar el Lugar, Rosa Delia Duarte, Efraín Marino, Andres Parra, Andrea Rey, Pablo Rincón, Sebastián Sanabria, Samuel Swope, Paula Torrado, Eduardo Trujillo, Luz Adriana Vera, Diana Villamizar, Hyounsang Yoo y Christian Yorba.

El archivo de este proyecto, o bitacora como nos gusta pensarlo, está almacenado en la página web www.estesaloneste.com y en la publicación que reúne el proceso, los resultados de investigación y el catálogo de las exposiciones.

Casa de la Cultura de Barichara. Laboratorio “Mapee sus Afectos”. Rafael Prada Ascencio.

Zonar: Estar en situación, perforar el contexto

Equipo curatorial: Walter Gómez Céspedes; Henry Buitrago; Oscar Salamanca y Miguel Ángel Gélvez.

Es un proyecto que busca establecer espacios de exploración, indagación, reflexión, crítica y creación en las artes visuales, que activen horizontes perceptuales y conceptuales extendidos y que permitan lecturas de proyección y circulación de artistas, obras y prácticas artísticas. Esto articulado desde seis ejes curatoriales, los cuales son: escandalo en cuanto a moda y estética, desde el que se busca generar una reacción de carácter político, social o ético en el público; arte, en el que se exploran todas aquellas obras que por su naturaleza ambigua no permiten identificarlas claramente como ideas artísticas; propio y afuera, el cual tiene por objeto relacionar obras cuya dirección temática sea la identidad en donde aún se concibe lo propio como algo reconocible y cercano, mientras que lo de afuera se entiende como algo extraño, desconocido y peligroso aunque susceptible de apropiación; contramonumento, en el que se propone una reflexión crítica sobre la función del monumento como una construcción de categorización y manipulación signada por la imposición, la indiferencia y la invisibilización; archivo ligero, desde el que se buscan condensar acontecimientos basados en sinergias de preservación de memorias y condensación documental; y galería sisben, el cual convoca una obra de participación colectiva en la que sea posible reconocer una compresión multidireccional del uso del arte como una noción amplia y heterogénea.[+] Más información: Estar en situación

Quinta Teresa, Cucutá. Obra de Mario Pilonieta. Fotografía de Rafael Prada Ascencio.

Orinoco-Amazonía

Individual: Winston Rubio Murillo

Exposición Individual Zona Orinoco Amazonía de los 15 Salones Regionales de Artistas
Corporación Cultural Municipal de Villavicencio, Corcumvi, 9 de octubre al 6 de noviembre, 2014

Frágil

Esta serie, compuesta por esculturas y pinturas en diversos materiales, como porcelana, cáscara de huevo, óleo sobre lienzo, parte de la crisis económica mundial de 2008 para examinar la fragilidad del concepto del ‘dinero’ como agente operante de la economía global y sus variables de poder, deseo y necesidad.
La historia de la economía nos dice que el sistema capitalista está operado por el volátil mercado de valores con sus dis¬tintas plataformas —acciones (megaempresas), commodities (petróleo, oro, cobre, trigo, etc.) y el e-business (Nasdaq), entre otros— a las que se tiene acceso con dinero y un ope¬rador de mercados o corredores de bolsa.
El 15 de septiembre de 2008 quiebra en los Estados Unidos la compañía de servicios financieros Lehman Brothers, y en Colombia, el 18 de noviembre, es intervenida la firma dmg Grupo Holding S. A. (léase David Murcia Guzmán), que ofre¬cía a sus clientes la oportunidad de “invertir” en un sistema multinivel para ganar dinero de forma rápida y fácil. Al inter¬venirla, el Gobierno colombiano la declaró “captadora ilegal de dinero” (léase pirámide). A partir de esta coincidencia, surge la primera obra, Frágil pirámide, escultura en cáscaras de huevo doradas, que cuestiona los conceptos, íconos e imaginarios de la economía.
Luego, aparece YE$, que utiliza íconos de las monedas domi¬nantes y se acerca al concepto de ‘intercambio monetario’ al examinar el variable mercado y su fluctuante estabilidad. Al constituir el pilar de las economías mundiales, la moneda se aprecia o deprecia por factores como la entrada y salida de capitales extranjeros, la importación frente a la exportación de productos y la inflación en unión con el costo de vida. Esta serie la complementan cuatro pinturas sobre monedas colombianas, que retratan la desaparición del valor econó¬mico de las monedas, como la de 20 pesos, que incluía la imagen del poporo quimbaya, parte de nuestra identidad arqueológica.

Winston Rubio
(Villavicencio, 1976)
www.facebook.com/seriefragil
Maestro en Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano (2002). Está interesado en señalar problemáticas contemporáneas regionales, nacionales o internacionales, que permitan repensar el devenir de las sociedades en un entorno globalizado. Ha participado en muestras colectivas como VI Exposición Colectiva Regional “Identidad y arte orinoquense”, Banco de la República (Villavicencio, 1999); “Nuevos pintores colombianos”, Unesco (París, Francia, 2002); XI Salones Regionales de Artistas Región Orinoco, Gobernación del Meta (Villavicencio, 2005); 40 Salón Nacional de Artistas, Museo de Arte Contemporáneo, mac (Bogotá, 2006), así como en exhibiciones en La Cometa, La Localidad, Cero Galería, Espacio Van Staseghem, + MAS Arte Contemporáneo Galería y El Garaje, en Bogotá, y en la Galería Quirón y Cámara de Comercio, en Villavicencio. Su obra Frágil fue seleccionada para participar en Imagen Regional 7, del Banco de la República, e itineró por las sedes culturales de este a lo largo del país (2012-2014).

Identidad en circulación

Equipo curatorial: George Rivera; Carlos Alberto González Buitrago y Jair Montaña Carrión.

Asumimos el concepto de “Identidad” como el acto singular indefinible que cada artista o persona en un entorno globalizado y globalizante construye habitualmente. En Radicante, Bourriaud recoge el término “semionauta”, y lo define como el sujeto-artista que va construyendo su corpus de obra en constante movimiento y cambio, sin estancarse en ningún lado, pero conectándose y negociando con el entorno.

La acción curatorial como práctica creativa considera la identidad como una experiencia para el encuentro, el diálogo, la reflexión y el tránsito activo de procesos culturales en torno al arte plástico contemporáneo. Las obras seleccionadas, no se consideran como un resultado o producto finalizado, sino como experiencias sociales que exploran relaciones y procesos de construcción y circulación continua.

Identidad – Cuerpo. / Identidad – Territorio y medio ambiente. / Identidad – Política y sociedad. / Identidad – Memoria. / Identidad – Comunicación.

Traspasando las anteriores categorías con el concepto de cultura como lo define las ciencias sociales; “El conjunto de las formas de la actividad humana que se manifiestan en el interior de todas las actividades sociales y en sus reciprocas relaciones” es posible aproximar al espectador mediante el conjunto de obras seleccionadas a revisar e imaginar sus propios y otros límites, centros y periferias.[+] Más información: Identidad en circulación

SENA, San José del Guaviare. Vista general. Fotografía de Alejandro Arango

Sur

Individual: Adrián Montenegro

Exposición Individual Zona Sur de los 15 Salones Regionales de Artistas
Casa de Barrio, Mocoa, 11 de julio, 2014
Museo Caquetá, Florencia 18 de julio al 9 de agosto, 2014
Museo de Arte del Tolima, Ibagué, 23 de octubre, 2014
Museo de Arte Contemporáneo del Huila, mach, Neiva 28 de octubre, 2014
Teatro Imperial, Facultad de Artes de la Universidad de Nariño, Pasto 28 de noviembre al 19 de diciembre, 2014

Espontáneo ¿Cómo tomar aire por los ojos sin perder las orejas?

Yo, el mundo, las cosas, la vida somos situaciones de energía, y lo importante es precisamente no cristalizar estas situaciones, sino mantenerlas abiertas y vivas en función de nuestro vivir, puesto que a todo modo de pensar o de ser debe corres¬ponder un modo de actuar.
Giovanni Anselmo
Con el propósito de realizar una exposición individual de mi trabajo artístico en las ciudades capitales de los cinco departamentos de mi región, desarrollé un proyecto en el que, en vez de enviar y trasladar físicamente obras entre las cinco ciudades, una tras otra, preferí repetirlo y ejecutarlo en cada lugar. Es decir, opté por una exposición conformada por obras viables de acciones, operaciones y ejercicios en la que me resultó mucho más práctico e interesante volver a realizar y producir las obras que ir y venir, montar, desmontar y transportar de nuevo para exponerlas en otra ciudad.
Estoy interesado en asumir la presencia en persona, la partida, la vuelta, el paso siguiente, la distancia, el ensayo, las circunstancias y la imaginación. Quisiera merodear el punto intermedio entre una cosa y su doble. Tengo prisa, pongo empeño en vagar por esta tierra y también en evitarlo a toda costa. Es como si pretendiera hacer de la contradicción una obra de buena fe. Quizá no consiga mostrarme tan espontá¬neo como para tomar suficiente aire por los ojos sin perder las orejas. Quizá solo son ideas mías. Pero, ¿de eso se trata, verdad? Trato de hacer del momento una pulsión en fuga. Estoy intentando aludir al concepto que tengo de mí mismo y de lo que me gusta hacer… y encuentro en la espontaneidad el pretexto para este proyecto de exposiciones. Para mí, la espontaneidad es, básicamente, el acto de liberar energía. Tengo la idea de que esta reacción se desata a partir del cruce de instintos con pequeñas frustraciones.
Es una potenciación abierta, un impulso emocional que permite sacar a flote y alivianar el peso de las razones que confrontan lo que llevamos por dentro o por fuera. Es decir, fluctúa entre lo que para nosotros se mantiene presente en lo que pasa, incluso en el inconsciente, y por debajo de lo que nos sitúa.
Hablo de poder construir abreviaturas, desviaciones, proximi¬dades, órdenes sensoriales, valoraciones, intercambios y pre¬posiciones en cadena (a, ante, cabe, con, contra, de, desde, hacia, hasta, para, por, según, sin, sobre, tras, vía y versus), que se mueven en todas las direcciones. La espontaneidad, aunque puede ser vista como una descarga anímica, no es para mí un motivo de desahogo, pues considero que no se manifiesta en tensión directa y cerrada, como la cólera, la ira o el arrebato, no es brusca ni forzada. Por el contrario, creo que la espontaneidad es sencillez, dinamismo, volatilidad y oscilación y que deriva en gusto, pasión, extrañeza, ironía, encanto, ensayo, prueba y error. Creo que la espontaneidad, siempre recursiva, es una virtud que tiene que ver con salirse de la raya sin perder la dirección o, dicho de otra manera, ser la dirección en sí misma: el punto hacia dónde vamos.

Adrián Montenegro
(San Juan de Pasto, 1986)
En sus trabajos pretende establecer asociaciones al entremezclar técnicas tradicionales del arte y el diseño. Le interesa explorar, expandir y problematizar el conocimiento y el saber del oficio artístico como concepto estético para generar obras a partir de experimentos y reflexiones en torno al espacio, los objetos, las imágenes y el movimiento. Suele abordar temas afines a lo popular, la fantasía y el humor. Su intención como artista es desarrollar una visión particular y poética sobre los hechos que marcan el paso de su tiempo por el mundo y brindar posibles respuestas a las dificultades que afronta como habitante del planeta. En la actualidad intenta sacarle provecho a las dificultades mien¬tras persevera en su empeño por ser artista. Trabaja por su cuenta y con la complicidad de diversas entidades, grupos y amigos. Estudia, investiga, expone, participa y adelanta proyectos individuales y colectivos. Ha recibido premios, becas y reconocimientos que le han permitido adelantar y enriquecer su trabajo. Promueve y promociona su obra artística de forma autónoma y se sustenta económicamente con la prestación de servicios como asistente de artistas y curadores, ilustrador, tallerista y editor, la venta de algunas de sus obras y la ayuda de familiares que siempre le han colaborado. Actualmente vive y trabaja entre Pasto, Bogotá y São Paulo (Brasil).

Ruido Sur: Transmisión de Singularidades

Equipo curatorial: Nubia Monje Medina y Miguel Kuan Bahamón.

Busca por medio de las propuestas recibidas y seleccionadas elaborar un mapa-diagnóstico del arte, que identifique en una cartografía virtual a los creadores activos y sus aportes a la transformación de estéticas mediante la re-significación de símbolos que realizan, mediante el realce de propuesta que aborden un sentido local en riesgo o en transformación. Todo esto mediante que integra los cambios que irrumpen en la compresión del ruido como la alteración de una normalidad sonora que se extiende a una metáfora representación social del Territorio Sur. Al considerar que tal es cambios son reconocibles en los procesos de reactualización de su producción simbólica, la utilización de nuevas estrategias de difusión, las transformaciones en la creación artísticas y la utilización de recursos actuales de expresión. El ruido en este proyecto es acogido como la transmisión que inquieta – que en un inicio molesta, pero que gradualmente comunica su contenido-.[+] Más información: Ruido Sur: Transmisión de Singularidades