16 Salones Regionales de Artistas 2018

16 Salón Regional de Artistas Zona Caribe

Grupo curatorial La Usurpadora (Maria Isabel Rueda y Mario Llanos)

Dimensión Desconocida: Otros relatos del Caribe es el resultado de una amplia investigación que venimos  desarrollado desde hace varios años y que sin duda, nos ha arrojado posibles vias de entender los procesos artísticos que se llevan a cabo en la región.

Para nosotros es de suma importancia dentro de la investigación y puesta en escena del salón, los cruces generacionales que puedan suceder y que  generarán nuevas lecturas del pensamiento artístico producido en la región no solamente en la actualidad, si no también en sus épocas mas relevantes.

Como ejercicio curatorial, el salón se divide en tres componentes: Exhibición, Simposio y Publicaciones a través de los cuales pretendemos generar visibilidad, conectividad e intercambio de pensamientos y prácticas, en lo que llamamos “Caribe expandido” que abarca en esta oportunidad distintas islas insulares y algunos agentes de la diáspora caribeña en Estados unidos.

POSBOCETO CRÍTICO I: ¡AGUA! ¡AGUA!
 

Alexa Cuesta Flórez
16SRA. Muestras Individuales. Región Caribe.
Casa Museo Rafael Núñez. Cartagena. 20 Noviembre al 15 de Diciembre 2017

El hecho de construir, reconstruir o deconstruir un objeto artístico con un material desechado por la sociedad de consumo me acerca a la delicada situación ecosocial en la que se encuentran centenares de aguateros y aguateras que comercializan con el preciado líquido en Cartagena de Indias. La comunidad de vendedores informales de bebidas refrescantes en esta ciudad se reconoce por dos situaciones: Una, por llevar a cuestas 8 horas al día (o más) una nevera de icopor de 15 litros repleta de bolsas o botellas de agua fría, deambulando por calles y lugares estacionarios como semáforos y paradas obligadas de buses y busetas, teniendo que soportar altas temperaturas y los peligros del trabajo en la vía pública. En segunda instancia, estos personajes se reconocen de lejos por su insistente y angustioso pregón: ¡AGUA! ¡AGUA!… ¡AGUA FRÍA! ¡AGUA! ¡AGUA! destacándose entre otros sonidos decibélicos de este paisaje urbano cartagenero tan común a todos sus ciudadanos.

Sin embargo, la motivación inicial del proyecto fue otra, traída a colación luego de 15 años de haber realizado el primer boceto de la instalación sonora; ¡Agua! ¡Agua! No se ha llevado a cabalidad por falta de recursos durante todos estos años. Desde el 2002 intento trabajar la obra con ese pregón desesperado de la comunidad aguatera de Cartagena refiriéndome a la reflexión que debemos hacer por la contaminación de caños y lagunas, cuerpos de agua naturales, por los desechos que se vierten descontrolados sin conciencia medioambiental, entre ellos el icopor, gran contaminante por su volatilidad y flotabilidad. En el primer contacto con los aguateros certificamos que las neveras sólo duran 6 meses, lo cual resume el destino final de las mismas una vez se deterioren por el constante uso. La falta de campañas de reciclaje de empresas fabricantes o el poco interés de las entidades públicas de carácter medioambiental permiten que año tras año la contaminación llegue a niveles insostenibles.

“iAgua! iAgua!” 2002- 2017 es un cubo construido con 200 neveras de icopor de diversos tamaños, emplazado en el espacio público de manera efímera, específicamente en tres caños de Cartagena con alto índice de contaminación. El cubo se confeccionó con neveras intercambiadas, nuevas por usadas, con los aguateros cartageneros contemporáneos. De dimensiones 2,00 x 2,00 x 2,00m tiene un sistema de altavoz que emite un diseño sonoro partiendo del pregón que le da título a la obra. El cubo parlante es un homenaje al arduo trabajo de aguateros de Cartagena. Por otro lado, el objeto artístico se expone de manera fragmentada, deconstruido, rompiendo así su carácter aurático. Prevalecen los bocetos y el registro haciendo crítica al lugar que corresponde a la creación artística, para mi modo de ver fuera del cubo blanco.

ALEXA CUESTA FLÓREZ

(Cartagena de Indias, 1970)

Arquitecta egresada de la Pontificia Universidad Javeriana (1994) y Artista Plástica, Universidad Nacional de Colombia (1998). Realizó posgrado en Arquitectura y espacios efímeros en la Universidad Politécnica de Catalunya (2002) y obtiene Diploma de Estudios Avanzados en Arte Público en la UPV- Valencia España (2005). Desde 1998 ha recibido reconocimientos y premios como el Premio “Arte para Bogotá” IDCT (1999); 1er premio (compartido) IX SRA -Caribe, Mincultura (2001); 1er premio (compartido) XI Salón Nuevos Artistas Costeños. Camacol, Barranquilla (2001). Premio (ex-aequo) Bienal Internacional de Pintura “Eusebio Sempere” Onil, España (2005); 2do premio Mujeres de Éxito, Categoría Colombianas en el exterior, Fundación Mujeres de Éxito, Bogotá (2010), Beca de investigación “Héctor Rojas Herazo”, Observatorio del Caribe, 2013; Beca Icultur 2014 y Beca “Obra Viva” Banrepública, 2016. Artista multidisciplinar, investigadora y gestora de proyectos culturales y expositivos, ha realizado, coordinado y co-curado un buen número de eventos culturales, destacando y visibilizando la obra de mujeres artistas del Caribe colombiano con el Colectivo La Redhada y, de artistas cartageneros/as con la Comunidad de Artistas Visuales de Cartagena y Bolívar (CAVCA); colectividades de las que ha sido parte de la membresía fundadora. Reside y trabaja en Cartagena de Indias.

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PACÍFICO – Minga Prácticas De-Coloniales
(Edinson Quiñones, Mario Valencia y Estefanía García)

Mingas de-coloniales constituye un aporte desde las prácticas y lenguajes de la sensibilidad al afianzamiento del posconflicto y una contribución a la sanación de heridas de guerra desde y con los ex-actores, las víctimas, los pueblos originarios, las comunidades campesinas y urbano-ancestrales del sur-occidente profundo de Colombia. La investigación y ejecución de esta sinergia de afectos y afecciones se construyó sobre siete principios: 1-Sensibilidades y prácticas en zonas de conflicto, 2- Interculturalidad crítica, 3- Dialogo y ecología de saberes 4- Justicia epistémica, 5-Cultura de la convivencia, 6- Cosmopolitismo subalterno y 7- Liberación de la sensibilidad.Estos procesos que reúnen creadores y hacedores en y desde los departamentos de Cauca, Valle del Cauca y Choco, se agrupan y despliegan a la vez a través de varias formas: 1-Como cofres de genealogías de ancestralidad y de diásporas, 2-Como culturas materiales, 3-Como cúmulos de memorias,4-Como procesos estéticos culturalmente fronterizos; y constituye una apuesta por liberar la percepción y la sensibilidad de una Colombia profunda que poco a poco intenta recuperarse, con dignidad, de una historia de olvido, dolor y trauma.

Mario Valencia Curador teórico Mingas de-coloniales: 16 Salón Regional de Artistas Zona Pacífico.

16SRA. Muestras Individuales. Región Pacífico.

Museo de la Tertulia. Cali. Del 9 al 30 de julio de 2017. 

El tigre y el misionero

Este proyecto se interroga sobre la novedad como preocupación en el ejercicio de hacer arte. La investigación tiene como punto de partida el encuentro fortuito de documentos y archivos de un cura franciscano que en sus mejores años se ocupó de los indígenas y del campesinado en Colombia.  Esta casualidad y casi que azar provocados contiene textos y fotos que han servido de referencia para engendrar la instalación que reúne objetos, pinturas, videos, material fotográfico y que a pesar de los múltiples medios se concentra en desarrollar gestos que apuntan a alegorizar y subrayar contradicciones.

El material documental pertenece a Fray Javier Montoya Sánchez, dinámico sacerdote que dirigió la revista “Ethnia” para el Centro Antropológico Colombiano de Misiones, además de producir publicaciones de ficción, edificantes, de corte antropológico y autobiográfico. Pero este peculiar monje con su diario  y narraciones es el referente para que Breyner Huertas arme unas coordenadas a partir de indirectas, traiciones, distancias y símiles que lejos de aclarar sobre el protagonista real lo convierte en un misterioso y secreto personaje digno de la mejor ficción.

Estamos ante una especie de partitura que al ser leída e interpretada produce un efecto jamás presentido solo con los signos que se habitan en el pentagrama.  Así funcionan estas obras. Al resolver los elementos icónicos y formales de esta su primera muestra en solitario, Breyner Huertas desea generar más interrogantes que producir respuestas. Quiere conducir al espectador por sistemas de pensamiento que transiten primordialmente por el terreno de lo misterioso y lo inestable. Se propone mediar los contrastes y elementos diversos para generar la intriga por uno de esos héroes que van cayendo en el anonimato pero que al tiempo se reaniman para el campo artístico.  Suministrador de circunstancias aleatorias con las cuales se puede armar una señal poética que desde la opacidad y la porosidad se permee con un perfil tan circunstancial como contradictorio.

Porque la contradicción como noción parece ocupar el centro de las preocupaciones de estos fragmentos de narración que se encuentra bajo distintas categorías y que no solo producen textos evidentes sino subtextos. Esta exhibición está compuesta por enigmas y en todo momento se generan sospechas.Una dirección creativa que busca privilegiar las asociaciones, las interferencias y las poéticas con aliento.

Miguel González, Curador

Breyner Huertas Rendón

Cali 1985

Artista y escritor que estudió Comunicación Social en la Universidad del Valle, cuyo trabajo se desenvuelve entre la investigación, el ensayo, la instalación y la publicación. Actualmente se desempeña como parte del equipo de lugar a dudas y escribe para la revista Art-Nexus Arte en Colombia y Periódico Arteria.

Ha sido ganador de diversos reconocimientos y becas entre los que se destacan: Premio de Crítica desde el malestar, 14 Salones Regionales Zona Pacífico 2012, Beca de creación de artistas jóvenes, Ministerio de Cultura 2014, Beca de publicaciones literarias, programa de estímulos de la Secretaría de cultura de Cali y el Fondo mixto 2015, Mención de honor Arte Cámara, Artbo 2016 y Beca de publicaciones artísticas del Ministerio de Cultura 2016.

Ha expuesto colectivamente en Arte Cámara, Artbo 2016; Banal de arquitectura, C.A.M.P.O y Laagencia Bogotá 2016; Artist talking back to the media, Museo La Tertulia 2016; Premio de arte joven 2015, Galería Nueveochenta Bogotá 2015; The Wilson Days, El Parche ArtistResidency Bogotá 2015; Escuela de Garaje, 15 Salón Regional Zona Centro, Espacio Odeón, Bogotá 2015; Objeto/Workshops, Museo La Tertulia Cali 2015;  Frente a la Euforia, curaduría por FábioZuker, IsabellaRjeille e Mariana Lorenzi, Casa do Povo, Sao Paulo 2015. Entre sus trabajos editoriales ha desarrollado proyectos como: La Minúscula Ensayística Ilustrada – Colección de ensayo gráfico; Un libro, un pocillo y una piña – colección de ensayo gráfico sobre la obra de Alex Rodríguez, José Olano y Juan Sebastián Peláez; Tiempo Universal Coordinado, Bienvenidos a la Redundancia – Los Cuentos Cortos de Hermes Acosta; Letra Pequeña, entre otros.

Esta es su primera exposición individual.

Vive y trabaja en Cali.

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 (Daniela Argüelles Gómez, Andres Felipe Gallo, Beatriz Amelia Mejía):

En su versión número 16, el Salón de la zona Centro Occidente -que comprende los departamentos de Antioquia, Caldas, Quindío y Risaralda-  resulta de pensar “la condición de estar aquí” como propuesta curatorial: cuando un mapa hace legible la naturaleza emotiva de la tierra nombrada por personas que la habitan con palabras como “la esperanza”, entonces se entiende que es tierra que se tiene o que se pierde, en la que se puede estar o de la que se es desplazado, siempre con implicaciones afectivas, sensibles…y entonces también estéticas y artísticas; el “aquí” como lugar subjetivo y próximo que sólo aparece cuando alguien esta parado en algún sitio que quiere contar a otro, y el lenguaje como dispositivo que nos sirve para encontrarnos, son aspectos iniciales de esta idea que ha sido interiorizada por los artistas y sus maneras de hacer, tomando cada vez direcciones diferentes. 

Inicialmente se propuso la selección de artistas y lugares específicos de la región (elegidos por sus nombres y por una indagación previa de sus condiciones socio culturales) donde se llevarían a cabo periodos de residencia de 25 días, orientados a la producción de obras y el desarrollo de ejercicios de intercambio, creación o trabajo colaborativo con las comunidades; actualmente el salón reúne un total de 35 artistas elegidos por convocatoria gracias a la suma de diferentes metodologías de participación: 16 residencias en las que participan 21 artistas y colectivos, 10 artistas que participan con obras ya realizadas y 4 artistas que vinculan los proyectos específicos que desarrollan en sus comunidades con el componente de formación. Entre junio y  agosto, los artistas y colectivos desarrollaron sus residencias en medio de las más diversas realidades y condiciones geográficas excepcionales, acogidos en casas de familia, fundaciones, centros comunitarios, refugios o habitaciones alquiladas.

Cada residencia propició Encuentros entre artistas, lugares, comunidades y lenguaje, de los que surgieron  gran cantidad de experiencias que están siendo traducidas e interpretadas en obras y acontecimientos al interior de las comunidades pero que también serán presentadas en una exposición abierta al público de la región, entre el 14 de septiembre y el 26 de octubre en Pereira presentadas en una exposición abierta al público de la región, entre el 14 de septiembre y el 26 de octubre en tres locaciones de la ciudad de Pereira: Facultad de Bellas Artes de la Universidad Tecnológica de Pereira (Edificio 12),  Bodega en la Avenida 30 de Agosto #49-50 (justo abajo de Medimás, frente a la estación de Megabus “Maraya”) y el Centro Colombo Americano.

Esta exposición, acompañada de una programación académica y cultural, asumirá el reto de actualizar las experiencias para los nuevos espectadores, invitándolos a relacionarse con los espacios por los que transcurre la vida en los términos, implicados, de un “aquí”. 

En cifras:

35 artistas: 21 en residencia, 10 con obras invitadas, 4 vinculados con proyectos específicos en el componente de formación
16 residencias artísticas en lugares diferentes de la región entre junio y agosto de 2018
1 exposición abierta al público entre el 14 de septiembre y el 26 de octubre de 2018, en 3 sedes expositivas de la ciudad de Pereira. 

Más información:

Instagram: @lacondiciondeestaraqui ( https://www.instagram.com/lacondiciondeestaraqui/ ) 

Alianza Francesa de Manizales. 9 de noviembre al 30 de noviembre de 2017.

Latitud Cerro Matoso nace a partir de una experiencia vivida por mi familia y por mí en el año 1994: el desplazamiento de mi pueblo natal Montelíbano ubicado en el departamento de Córdoba cerca de la minas de níquel cerro matoso, donde trabajaba mi padre, a la ciudad de Manizales, Caldas donde vivía la familia de mi madre. El proyecto cuenta con tres partes la primera trabajada desde

la memoria colectiva de mis padres, la segunda desde mi memoria personal y la tercera a partir de la memoria personal, colectiva, e histórica del pueblo; al que regrese a finales de agosto de 2017 después de 23 años.

Estefanía García Pineda

Estefanía maestra en Artes Plásticas Universidad de Caldas. Beca de pasantía “Política antidroga en tiempos de posconflicto” en la Universidad Nacional de Colombia Bogotá D.C en convenio con Mincultura. Artista y curadora independiente. Actualmente desarrolla la beca de muestra individual del 16 Salón Regional de Artistas zona cetro occidente con el proyecto “Latitud Cerro Matoso”. Directora del proyecto curatorial “Taxonomía de una olla”. Su indagación Parte de situaciones económicas, políticas y culturales que devienen del conflicto colombiano y que ha vivido personalmente.

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El Validadero Artístico, su proyecto de investigación curatorial: La expedición artística regional y su propuesta de exhibición El observatorio artístico regional / 16SRA zona centro, tiene el gusto de invitarlos a caminar el territorio para apreciar la naturaleza y disfrutar de la curaduría propuesta para los 16 Salones Regionales de Artistas Zona Centro, programa del Ministerio de Cultura.
Una expedición participativa donde se invitó a un grupo de artistas a caminar el territorio cundiboyacense para recorrer cuatro lugares específicos del territorio para encontrar ejemplos de lo que sucede en la zona centro del país, fue la propuesta de la curaduría ‘Observatorio artístico regional’, a cargo de Federico Daza y El Validadero Artístico.
La zona Centro la componen los departamentos Boyacá, Cundinamarca y, también, Bogotá. Los sitios elegidos fueron Sutatausa (Cundinamarca), La Peña de la Cruz (en el centro de Bogotá), Tibacuy (Cundinamarca) y el Alto Ricaurte (Boyacá). A partir del recorrido por estos espacios, los artistas obtuvieron información de los territorios y la comunidad que participó activamente del proceso de exploración.
Los municipios fueron escogidos porque son considerados lugares sagrados por las comunidades indígenas que los habitan. Son lugares donde se pueden encontrar piedras talladas, grabados rupestres, pictografía, escultura, iglesias en ruinas, entre otros elementos que enriquecen el conocimiento, exploración y fortalezas artísticas que permiten representar el entorno. Por ello  los curadores abordaron el proceso desde los antecesores, para recuperar historia olvidada, formas de pensar y sentir de quienes viven en esos territorios.

Las exposiciones se realizaron en varios municipios de Boyacá, principalmente en Villa de Leyva, en lugares como el Instituto Humbolt, el Museo Acuña, el Museo Antonio Ricaurte, entre otros lugares habilitados por la Alcaldía Municipal.

PARA MAS INFORMACION SOBRE EL PROYECTO, POR FAVOR VISITE: http://elvalidadero.com/expedicionartistica

La propuesta busca dejar de lado por un momento lo que los artistas hacen (oficios o prácticas), para preguntarles por otros aspectos de su existir en los territorios. Por medio de socializaciones (Tunja, Puerto Boyacá, Villapinzón, Bogotá y Duitama), entrevistas (a artistas, no-artistas e instituciones), el voz a voz y un cuestionario web; se propone a los involucrados indagar por aquello que el artista no sabe que sabía, pero que resulta esencial para su manera de entender el mundo en un sentido amplio (agua, fronteras, residuos, autogestión, naturaleza, etc.). Asumiendo que el lugar desde donde surgen estos conocimientos obedece a una mirada diferente de las de otras disciplinas, por tanto propia del arte y los artistas. Se realizó un mapa que permite visualizar esas particulares inquietudes, y con con base en dicho mapa, el equipo curatorial agrupó mesas de trabajo, encargadas de desarrollar colaborativamente una ‘Caja para (des)centrar’ que recorrerá de manera nómada Boyacá, Cundinamarca y Bogotá. Esta no es una caja con obras de arte o llena de conocimientos, sino una caja con estrategias artísticas para que otras personas se apropien de ellas y les permita pensarse críticamente en sus contextos.

PARA MAS INFORMACION SOBRE EL PROYECTO, POR FAVOR VISITE https://16sracentro.com

Claustro de San Agustín. Bogotá. Noviembre 4 de 2017 al 4 de febrero de 2018.

Hope es un proyecto que inicia en un viaje a la isla de Providencia, Colombia. La isla era un lugar para mi desconocido pero referenciado por diferentes personas como un lugar paradisiaco.  Con el anhelo de conocer ese paraíso decidí viajar a la isla sin preguntarme qué significaba para cada persona la palabra paraíso. Este término encontró un sentido diferente al momento de recorrer la isla y sentir la calma del lugar en medio de múltiples ruinas que la habitan. No había asociado lo providencial o paradisiaco con el abandono. En contraste pensé que el progreso, la velocidad y el bienestar en una ciudad puede ser el paraíso que un citadino espera encontrar y ese paraíso alberga un imaginario colectivo de opulencia y acumulación, tanto de bienes, experiencias y logros. Pero en la isla, lejos del ruido, el bienestar se deja sentir con el desapego y la renuncia a los ideales de acumulación.

Con el pasar de los días la importancia del deber se fue desvaneciendo en mi y me concentré en mirar la isla. La fotografía ha sido para mi un medio para transformar mi mirada y el acto de fotografiar un estado de suma concentración que me permite habitar el presente en donde a través de la composición intento encontrar alguna armonía. Desde hace algunos años sólo trabajo con fotografía análoga y dejé de lado casi del todo la digital. El tiempo y el acto de mirar es muy diferente en la fotografía análoga porque necesita de mayor paciencia y menos tomas. El límite del número de fotos de un rollo de verdad me obliga a pensar mucho más en la composición y en el entorno. Hope es justamente uno de los primeros trabajos  en los que la calma comenzó a ofrecer resultados interesantes. La fotografía análoga es un ritual que apunta a la transformación del pensamiento. La fotografía digital por el contrario, en la mayoría de casos, tiende a convertirse en una actividad de acumulación sin reflexión.

Bajo este espíritu contemplativo hacia fuera y hacia adentro encontré un eco de mis pensamientos en las ruinas y en las vistas al mar. El vacío, la ausencia de personas y la presencia de sus restos me transmitieron una gran calma; pensaba que ahí, en esos elementos o espacios que encontraba,  ya no había premura. El motivo que puso en marcha la construcción de algunas casas inacabadas o en ruinas que encontré ya había desaparecido. Al igual que en el devenir histórico de la especie humana, todo aquello que se ha edificado en nombre de alguien o una idea, y que ha sido motivo de conflictos o guerras en muchos casos, forma ahora parte del olvido. Pensé que todo aquello que tiene gran importancia no importará en lo más mínimo en el futuro. Las personas mueren y las sociedades se transforman. Nada permanece del mismo modo a pesar del apego que podamos tener hacia nuestra vida actual. Si bien la memoria es algo que atesoramos y nos otorga identidad y perspectiva, el olvido es una función natural que  nos permite sanar.

Hope no es la esperanza de un mejor mañana sino la certeza de una transformación.

Sebastián Fonnnegra

Sebastián Fonnegra es maestro en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá. Su trabajo se desarrolla principalmente en fotografía y dibujo, y sus temáticas giran alrededor del psicoanálisis, el inconsciente, la palabra y los sueños.

En 2014 recibió el tercer puesto por su trabajo en fotografía “Parque de juegos” en el 7 Salón Arte Joven organizado por Embajada de España-Colsánitas y curado por Santiago Rueda. El premio fue exhibido en la Galería Nueveochenta. En 2013 recibió una beca de publicación para fanzines de dibujo con su proyecto “Despertares” otorgada por La Independiente – Feria de publicaciones con el apoyo de la Revista Matera y la Alcaldía Mayor de Bogotá.

En febrero de 2017 realizó su primera exposición individual con su trabajo en dibujo “Diccionario Fantasma” en la galería 12:00. Este mismo trabajo, con sus diferentes variaciones, ha sido exhibido en varias exposiciones entre las cuales se encuentran: Áreas Inexactas curada por Jaime Cerón en el Museo de Arte Moderno de Bogotá 2016; La Feria del Millón en el Centro Creativo Textura 2016; y en el I Premio Salón de Arte Joven organizado por la Fundación Gilberto Alzate e IDARTES 2015.

Ha sido seleccionado para varias exposiciones colectivas: Lenguajes en papel – Galería EL MUSEO 2017; La Poética del Espacio – Galería Cafam de Bellas Artes 2016; III Bienal de Bucaramanga – Centro Cultural del Oriente Colombiano 2015; I Premio Visionado de Portafolio Fujifilm – Bogotá Arte Contemporáneo 2015; Lo Otro y lo Propio – Casa Ensamble 2012; Exposición de Mejores Trabajos de Grado – MAC (Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, Minuto de Dios) 2011; Bienal Internacional de Arte SIART – Alianza Francesa de La Paz, Bolivia 2007.

Vive y trabaja en Bogotá.

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Claustro de San Agustín. Bogotá. Noviembre 4 de 2017 al 4 de febrero de 2018.

AL MAR NADA LE PESA.
Escrito por: Nathali Buenaventura Granados

“(…) sobre todo los melancólicos, ya que las imágenes les trastornan mucho. El motivo por el que rememorar no está en su poder es que, al igual que los que lanzan un dardo ya no tienen posibilidad de retenerlo, quien busca en la memoria imprime un cierto movimiento a la parte corpórea en que reside tal pasión.”

Aristóteles[1].

Algunas veces una presencia escultórica no es la manifestación de una potencia; todo lo contrario, podríamos estar ante una impotencia manifiesta. Nadie puede suplantar el cuerpo de un espectador, ni siquiera este texto, pero quisiéramos ofrecernos a la manera de una compañía para el cuerpo de quien se presente ante esta montaña. Si afirmamos aquí, que posiblemente estas materias fueron traídas hasta este lugar para estratificarse a merced del olvido y que tanto se erige la presencia escultórica, como se quiebra la voluntad de quien la creó frente al acto de olvidar, no lo afirmamos en la codicia por la interpretación; estamos observando atentamente que el cuerpo que soñó una montaña de sal emergiendo de las aguas y en constante cristalización, está emparentado con las visiones de eternidad, memoria y olvido que hemos encontrado en la imagen de las aguas del mar/río, durante siglos de contemplación y experiencia[2]. Si las grandes densidades de pena y vida que portamos en la memoria tienen semejanza con el temperamento de la sal, elemento constitutivo del cóctel del sistema nervioso dentro del cual viven nuestras imágenes, es factible que un cuerpo imagine al cúmulo de todos sus recuerdos solidificarse en una inmensa montaña que contiene todo el peso de aquello que quisiéramos olvidar. Poseemos aún evidencia en este sentido: el material plástico más cercano al agua que nos ha sido revelado -la imagen en video- fluye hacia el espectador con el ulular acuático del tiempo; los dedos que rascan la sal cuentan el tiempo que le tomará a las aguas llevarse la memoria y al fin hacernos descansar en el olvido. Se trata pues, de un cuerpo que está aprendiendo a esperar. “Acepto la naturaleza de las aguas, de las oscuras y las cristalinas. Acepto el enfrentamiento ineludible con la fluidez del tiempo que caracteriza los estados de memoria: la salinidad blancuzca que todo lo preserva, la opacidad acuosa de los mares y la huella dejada por el encuentro inminente de ambas fuerzas. Abrazo el estado pertinente, aunque sea de manera involuntaria. Normalmente lo es, dada la supremacía del tiempo sobre la voluntad humana, impotente y limitada. Quedando entonces, el cuerpo sometido a unos climas largos e inexactos, infinitos a los ojos y cuerpos de los seres.[3]”

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[1] Tratado natural acerca de la memoria y la reminiscencia.

[2] “Según la representación de los antiguos, uno debía atravesar, al pasar de la vida a la muerte, el río del olvido, el Leteo. Esta corriente no solo libera del recuerdo subjetivo, sino también de los hechos de la vida. Lo que aquí se lava, según esta representación, no se pierde: las aguas purificadas a través de los hechos acontecidos alimentan una fuente, Mnemosyne. Lo que ya no puede ser importante para los muertos, es indispensable para los vivos. El mundo de estos se nutre de esa fuente. Del seno de Mnemosyne mana la tradición. Lo que se acumula en ella y alcanza a las generaciones posteriores, es arte.” Frank Benseler en Gyorgy Lukács. Ética, estética y ontología. Pág. 173.

[3] Notas de Lucía González Gaitán. Los textos completos de Lucía están disponibles en la Biblioteca de la Universidad Nacional de Colombia.

LUCÍA GONZÁLEZ

Lucía González es artista plástica egresada de la Universidad Nacional de Colombia.

Su trabajo reflexiona sobre las emociones humanas y los procesos de memoria que están sujetos a un desvanecimiento a través del tiempo. Lleva un proceso de pensamiento y creación basado en la dualidad como estrategia plástica. Utiliza medios tales como instalación, video, performance y fotografía.

Ha expuesto en espacios como el Centro Colectivo Textura (2016), el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia (2016), en Bogotá, el Centro Cultural Guillermo Barney Materón (2016), en Palmira y el Centro Cultural Jorge Luis Borges (2017), en Buenos Aires.

www.luciagonzalezga.portfoliobox.net

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ALAPAR (Nellyda Amparo Cárdenas — Alex Brahim Martínez — Sandra Bautista Santos)

ALAPAR se centra en los procesos de producción artística profesional y en la figura del curador de arte, apoyándose en la concertación curatorial como fórmula colaborativa del binomio artista-curador.

ALAPAR presenta nueve proyectos individuales de nueve artistas de los Santanderes, desarrollados con el acompañamiento del equipo curatorial de ALAPAR, apoyados por nueve perfiles curatoriales emergentes de la Zona Oriente.

Cada proyecto cuenta con la tutoría de un miembro de ALAPAR, quien trabaja mano a mano, a la par, con cada artista. Así mismo, cada futuro curador hace las veces de asistente curatorial en uno de los proyectos. Los artistas constituyen el segmento ALAPAR^PRO y los asistentes curatoriales ALAPAR^LAB. Ambos fueron elegidos a través de una convocatoria abierta que tuvo lugar en 2017.

Nueve propuestas, nueve procesos y nueve equipos, hacen de ALAPAR la suma de nueve vectores artísticos, moviéndose por la región durante el tiempo del salón, a su propio ritmo y en su propio itinerario.

www.alapar.com.co 
 

PROGRAMA

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FREDDY SAÚL SERRANO
LACUNARIO/CONTRAEXPEDICIONES
APOYO EN LA CURADURÍA DE
OSCAR IVAN ROQUE

Museo Norte de Santander, Cúcuta
Una expedición autorreferencial hacia la infancia del artista

19.07.2018-19.08.2018

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DANIEL IFANGER
SANTURBÁN SIN TURBA
APOYO EN LA CURADURÍA DE
CARLOS SALADÉN VARGAS

Casa Museo Torre del Reloj, Cúcuta
Un acercamiento sensorial a nuestra frágil realidad medioambiental

17.08.2018-17.09.2018 

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GRECIA QUINTERO
PRESENCIAS
APOYO EN LA CURADURÍA DE
MARITZA ARANGO VARGAS

Museo de Arte Moderno de Bucaramanga, Bucaramanga
Construcción colectiva del sujeto de reparación en Salazar de Las Palmas

23.08.2018-03.09.2018

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ORLANDO ROJAS
MULTIVERSO MESTIZO
APOYO EN LA CURADURÍA DE
SAMIR QUINTERO

Diversas locaciones, Pamplona
Un reconocimiento iconográfico de las culturas que infundan nuestra identidad

07.09.2018-07.10.2018

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SEBASTIÁN SÁNCHEZ
EL INGREDIENTE SECRETO. GEOGRAFÍA DE UNA GASTRONOMÍA FAMILIAR
APOYO EN LA CURADURÍA DE
YADIRA POLO

Centro Cultural Quinta Teresa, Cúcuta
Gastronomía, arraigo y región en un relato familiar

21.09.2018-21.10.2018 

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JUAN DUQUE
EL VIAJE SONORO
APOYO EN LA CURADURÍA DE
JHON FREDDY CALDERÓN

Ruta ecoturística, Chinácota
Recorrido de amplificación auditiva en senderos rurales

21.09.2018-21.10.2018 

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WILMER USECHE
CON LA COLABORACIÓN DE OSCAR SCHÓÓNEWOLFF
METAMORFOSIS DE UN MUNDO EXACTO
APOYO EN LA CURADURÍA DE
DAN GAMBOA

Museo Antón García, Ocaña
Bitácora de la serie Cartografías, desarrollada durante cinco años

05.10.2018-31.10.2018

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JULIANA SILVA
ROPA BLANCA
APOYO EN LA CURADURÍA DE
WALTER GÓMEZ

La Bagatela, Villa del Rosario
Un tratado sobre la historia de la producción algodonera y el papel de la mujer

12.10.2018 –31.10.2018

Centro Colombo Americano. Bucaramanga. 24 octubre 2017

El Canalla

El Canalla es una exposición que reúne una serie de trabajos realizados entre 2013 y 2017. En términos conceptuales, la exposición propone una reflexión (cruzada por el humor negro) en torno al campo del arte, a sus protagonistas y sus devenires, centrándose en la figura del artista, que para este caso es también la del canalla. Un canalla es una persona que merece rechazo por su actitud ruin, despreciable, ante los demás y ante la vida. En un sentido más amplio, y aplicando esta idea al mundo del arte, un artista canalla es aquel que confronta el orden establecido, en este caso el del campo artístico, ofreciendo una visión crítica e incómoda, en primera persona, de una institución que siempre ha estado cruzada por intereses y dinámicas cuestionables. Podría llegar a decirse, incluso, que la práctica artística ha soportado su evolución en las revueltas no siempre amigables que surgen de sus mismas entrañas.

Pero más que hablar de artistas, movimientos o periodos que ilustren lo dicho recién, esta exposición se sustenta, históricamente, en un grupo de obras muy puntuales que marcaron el trabajo del autor: El poeta pobre (Carl Spitzweg, 1839); El taller del pintor (Courbet, 1854-1855); La caja en la maleta (Marcel Duchamp, 1935-1941); Artista trabajando (Mladen Stilinovic, 1977); y Bar Las Divas (Héctor Zamora, 2007). Estos trabajos, disímiles en su desarrollo formal (tal como esta exposición), abordan a su manera las dinámicas comerciales en torno al arte; la puesta en crisis del arte burgués; el desmantelamiento de la imagen decimonónica del museo; la imagen que del artista puede hacerse la sociedad y la indiferencia de ésta frente a su trabajo; y una supuesta capacidad revolucionaria que subyace en la práctica artística. Todas estas ideas buscan ser abordadas desde la perspectiva de un artista canalla que ha desarrollado su trabajo desde la desconfianza que brindan los bordes de la escena artística colombiana, y en medio de una serie de condiciones dadas a ser cuestionadas o en el mejor de los casos transformadas.

El Canalla, la primera exhibición individual del artista en su ciudad natal, está compuesta por 8 proyectos distintos que se valen del dibujo, la pintura, el collage, la escultura, los objetos, la fotografía y el video. A través de esta amplitud formal, cultivada desde el inicio de su carrera, el autor no busca hacer alarde de habilidades técnicas, sino más bien huir del culto al estilo, de la firma, rasgo del arte que como aquellos nombrados anteriormente, también busca poner en crisis. En un sentido similar es que quizás puedan entenderse las referencias, los préstamos y los robos presentes en buena parte de los proyectos que conforman El Canalla: La fuga de Alcatraz; La rencontre (Bonjour Monsieur Courbet); el muralismo del I.R.A; las pinturas de Mark Rothko, los textos de Bourriaud, Marighella y Powell; las ilustraciones del billete de $2.000; todas son producciones culturales que el artista somete a un proceso de reedición, de uso de las formas, con lo cual busca cuestionar el que es, quizás, el rasgo más sentimental, protegido y sobrevalorado del arte: la originalidad.

Este grupo de trabajos resultan ser entonces una suerte de manifiesto artístico para un autor que, al menos en este momento y de manera muy personal, considera agotadas las posibilidades de su labor más allá de una autoreferencialidad crítica con miras a evaluar la incidencia real de la práctica artística en la sociedad contemporánea. Como la mítica serpiente que traga su propia cola, el artista canalla muerde la mano que le da de comer.

Nicolás Cadavid

Nació en Bucaramanga, Colombia, en 1979. Es Maestro en Bellas Artes de la Universidad Industrial de Santander (2005) y Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile (2009), programa del cual se graduó con la máxima distinción. Ha exhibido sus trabajos en diversos proyectos y muestras colectivas en Argentina, Colombia, Chile, Cuba, España, Estados Unidos, Holanda, Marruecos y Venezuela. Ha recibido diversas distinciones entre las que destacan: Beca para la realización de exposiciones individuales 16SRA (Ministerio de Cultura de Colombia, 2017). Beca de Residencia Nacional Proyecto Manigüa (Por Estos Días/Museo de Antioquia, 2015). Premio Eloy Valenzuela Categoría Investigador Consolidado Área Ciencias Sociales (Universidad Industrial de Santander, 2014). Beca de Investigación Curatorial 14 Salones Regionales de Artistas (Ministerio de Cultura de Colombia, 2011). Beca de Residencia Artística Encuentro Internacional de Arte de Medellín, MDE07 (Ministerio de Cultura de Colombia, 2007). Desde 2006 es director de Galería LaMutante, plataforma para el arte contemporáneo con sede en Bucaramanga, con la cual hizo parte de la selección oficial del Ministerio de Cultura de Colombia para la Feria Internacional ARCO Madrid 2015, y con la cual editó el libro Manual del Equilibrista en 2016. Desde 2012 ha estado vinculado como profesor en la Carrera de Artes Plásticas de la Universidad Industrial de Santander, y desde 2016 como profesor de la Carrera de Literatura de la Universidad Autónoma de Bucaramanga.

www.nicolascadavid.com

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(Chundú: Carlos González, Andrea Gutiérrez, Cesar Agudelo y Ana María Sánchez):

A partir de la activación de cuatro nodos, ubicados en los municipios de Mitú (Vaupés), Granada (Meta), Puerto Nariño (Amazonas) y Aguazul (Casanare), los artistas/procesos invitados dinamizan los espacios a partir de propuestas en clave arte/educación como talleres, performances, círculos de palabra, producción de fanzines, intervenciones en el espacio público, entre otras.

Desde el 10 de agosto, con la apertura del nodo Mitú, la Confluencia Arte/Educación empieza sus exploraciones, para culminar con una exposición en Villavicencio (Meta), que será inaugurada el próximo 5 de octubre de 2018.     

Más información: http://confluenciarteducacion.co/

OjoRojo, Bogotá. Casa Cultural San Martín, Meta.
¡VIVA CACHACERO!

La exposición ¡VIVA CACHACERO! es el resultado de un proyecto fotográfico de largo aliento, realizado entre el 2012 y el 2016 en San Martín de los Llanos, Meta, en el marco de Las Cuadrillas de San Martín, celebración que se remonta más de dos siglos y que ha sido relevante en la construcción de la identidad sanmartinera. Estos grupos de guerreros interpretan la lucha por un lugar y una cultura ancestrales entre los españoles, los moros, los indígenas nativos y los cachaceros negros africanos esclavizados. Cada cuadrilla está conformada por doce personas. Mediante coreografías ecuestres se desarrollan diez juegos en los que se escenifican los choques entre las razas: son dos de protocolo encuentro, cuatro de guerra y cuatro de paz, que significan la reconciliación y el mestizaje de los pueblos.

Este proyecto busca poner de manifiesto los valores culturales propiciados por el  trabajo  de  las  cuadrillas y cómo  esta  labor  construye  espacios  de paz  y convivencia  en  un  grupo  social. Se hace énfasis en la vida  cotidiana   de los cuadrilleros, quienes son abogados,  contadores,  finqueros, campesinos, vigilantes,  conductores,  mecánicos,  etc. ¡VIVA CACHACERO! busca resaltar la relación entre el hombre común y el hombre metafórico, el que se oculta y adorna con un disfraz o máscara, cuyas prácticas y cotidianidad son la herencia que enlaza a numerosas generaciones que han crecido esperando la oportunidad de pertenecer y trabajar por el fortalecimiento de un tejido social en torno a la cultura llanera, la memoria colectiva y el mantenimiento del patrimonio cultural que puede ser capturado por medio de la fotografía para dar cuenta de los instrumentos idóneos  para el ejercicio de los derechos culturales que sirven para afrontar un conflicto, como por ejemplo la tradición, la familia, la creación artística, entre otros, y que han demostrado que posibilitan el ejercicio de las libertades, el respeto por las diferencias sociopolíticas y culturales, y el fortalecimiento de la memoria colectiva e individual.

Las Cuadrillas de San Martin son más que una puesta en escena de un grupo de hombres que representan a seres históricos o míticos; son expresiones culturales que dan cuenta  de la forma como los hombres y las mujeres que habitan este territorio comprenden parte de su historia y posibilitan formas de recrearse en un mundo que, al parecer, se niega a validar la diferencia como un valor social.

Gabriel Rojas

Fotógrafo documental de Villavicencio con raíces en el Caquetá, diseñador gráfico egresado de la Universidad Nacional de Colombia, se ha desempeñado como profesor de fotografía en Zona Cinco y en la Universidad Externado de Colombia.

Ha sido premiado con el Concurso internacional y anual de fotografía: “¿Qué es noticia para ti?” de WOOPHY (World of Photography), el Concurso de Crónica Fotográfica sobre la Carrera Séptima y Memorias del Futuro de IDARTES, así como el Concurso de fotografía “Un día en la vida del patrimonio cultural inmaterial de Bogotá” organizado por el Instituto de Patrimonio Cultural, IDPC y el Concurso de Fotografía “Histórica e Institucional” de la Universidad Nacional de Colombia. Ha sido ganador del Concurso Beca Red Galería Santa fe de IDARTES junto a la Agrupación 1839, de la cual es co-fundador, con el proyecto expositivo BOGOTÁ EN LA TIERRA, este proyecto se expuso en el Museo de Arte y Cultura de Colsubsidio y la sala de exposiciones de la Biblioteca Virgilio Barco. Ha sido beneficiado con el estímulo del Ministerio de Cultura llamado Pasantías Nacionales, en la modalidad de formador, con el proyecto Taller de Memoria Cuadrillas de San Martín: Fotografía, Álbum y Memoria

Ha obtenido mención de honor en el Premio Arte Joven Colsanitas, organizado por la Embajada de España, finalista en el Concurso Identidad América Latina, en México; Festival San José Foto en Uruguay, ha expuesto su trabajo en la Galería El Nogal, Nueveochenta, La Aduana en Barranquilla, y recientemente publicó un ensayo fotográfico titulado “Gramalote no es fantasma”, publicado en UN Periódico y Universo Centro de Medellín.

gabrielrojas.co

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